Vocês que acompanham meu blog devem estar achando estranho um post sobre um filme recente, mas esse filme tem toda a aura "retrô" e clássica que eu gosto e decidi escrever um pouco sobre ele. O que me encantou nele primeiramente foi o trailer e a sinopse e logo após o pôster que lembra muito um filme antigo produzido entre as décadas de 50 e 60, decidi conferir e não me arrependi.

Ada Harris (Lesley Manville) é uma diarista que sonha com o retorno do marido após a Segunda Guerra, porém ela acaba recebendo a constatação de que ele morreu em combate. Ela torna-se obcecada com a ideia de ter um vestido Dior e passa a juntar dinheiro para realizar seu sonho. Após juntar a quantia necessária, ela parte para Paris em busca do seu tão sonhado vestido. Chegando em Paris, com seu jeito peculiar, ela acaba encantando diversas pessoas, incluindo os funcionários da casa Dior, com exceção de Claudine (Isabelle Huppert), a esnobe diretora, que não aceita uma mulher pobre tendo acesso aos vestidos da grife.

No desfile, Ada encanta-se por um vestido, mas Claudine faz com que outra cliente o escolha e então ela contenta-se com um outro. Após comprar o vestido, Ada descobre que ainda terá que passar mais um tempo em Paris para os ajustes e embarca em várias aventuras e até mesmo em uma possibilidade de um novo romance. Ela descobre que a casa Dior está com problemas financeiros e ajuda André (Lucas Bravo), o contador, a expor suas ideias a Christian Dior (Philippe Bertin), em busca da salvação e popularização da marca. Ao retornar de Paris, Ada percebe que a viagem e a realização de seu sonho, mudaram a forma como ela enxerga as pessoas e a vida.

O filme é baseado em um livro chamado "Mrs. 'Arris Goes to Paris", primeiro de quatro livros que contam as aventuras de uma faxineira. O primeiro volume foi publicado em 1958. A obra foi adaptada para a TV em três ocasiões: em 1958, 1982 e 1992, nesta última, tendo Angela Lansbury como protagonista. 

Além de Lesley Manville que conduz a personagem principal com maestria, simplicidade e carisma, o outro grande destaque fica por conta de Isabelle Huppert e sua antipática e esnobe Claudine, uma personagem que poderia ser levada para o lado caricato, mas conduzida por Huppert torna-se uma personagem fascinante, ainda mais quando o filme mostra o lado humano da mulher que está ao lado do patrão, mas que é de certa forma invisível.

"Sra. Harris vai a Paris" é um filme leve, emocionante e divertido que precisa ser visto com o coração e não com o olhar frio e técnico cinéfilo. Embora alguns poucos críticos estejam falando mal, não é um filme ruim ou vazio, muito pelo contrário, possui até um viés de crítica social. Vale também mencionar as reproduções dos vestidos Dior que são um colírio para os olhos, é como se fôssemos transportados para o final da década de 50, com toda sua elegância e requinte.

Adaptações cinematográficas de obras de William Shakespeare não são uma exclusividade do cinema falado, embora quando toquemos no assunto seja impossível não pensar primeiramente nas adaptações estreladas e produzidas por Laurence Olivier e Orson Welles. Tempos antes, no cinema mudo já existiam adaptações. De acordo com pesquisas, cerca de 300 adaptações foram realizadas durante esse período, muitas delas acabaram se perdendo com o tempo, enquanto as sobreviventes entraram em profundo esquecimento, Otelo, realizada em 1922 é um desses exemplos.

Produzida na Alemanha, é considerada a primeira grande produção da peça escrita por Shakespeare provavelmente em 1603, essa versão foi protagonizada por Emil Jannings, um dos atores mais populares do cinema mudo alemão. Embora Jannings esteja ótimo como Otelo, o destaque do filme fica com Werner Krauss como do sórdido Iago. Krauss fez de Iago uma sombra por trás dos personagens, alimentando paranoias e causando intrigas de forma sutil, mas totalmente explícita para quem assiste ao filme. O papel mais famoso de Krauss foi o Dr. Caligari no filme homônimo realizado em 1920.

Ainda que essa versão seja considerada uma grande produção, ela de fato não foi a primeira adaptação cinematográfica da peça que já havia sido adaptada duas vezes na Itália: em 1906 e 1909. A versão de 1909 traz uma das Divas do cinema mudo italiano Vittoria Lepanto como Desdemona. 

O general Otelo é considerado um dos homens mais valentes do exército de Veneza. Ele nutre uma paixão por Desdemona, mas o pai da moça não concorda com o casamento, muito provável por Otelo ser negro (no filme há uso do Blackface). Otelo precisa nomear um tenente e Iago pensa que ele será o escolhido, mas acaba sendo preterido por Cassio, um rapaz inexperiente que nutre uma grande devoção por Otelo. Iago então decide vingar-se. Otelo e Desdemona fogem e se casam, para assim deixar o pai de Desdemona sem escolha, a não ser aceitar o romance. Sabendo que Otelo não confia em mulheres, Iago passa a armar intrigas entre o casal, alimentando o ciúme doentio e possessivo de Otelo, sugerindo que sua amada e Cassio são amantes. 

Um ponto interessante do filme é o homoerotismo sugerido na devoção entre Cassio e Otelo e até mesmo na inveja de Iago ao ser preterido pelo inexperiente rapaz. O homoerotismo entre Cassio e Otelo fica latente nas cenas finais, principalmente na última cena de ambos onde fica sugerido que havia algo muito mais forte do que apenas amizade ou devoção.

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Pobres passando-se por ricos é um dos enredos mais batidos do cinema, porém torna-se fascinante quando uma habilidosa diretora pega uma história que poderia ser mais uma qualquer e consegue transformá-la em algo diferente do que já foi mostrado e é isso que podemos ver em "Felicidade de Mentira" (The Bride Wore Red) dirigido por Dorothy Arzner.

"Felicidade de Mentira", aborda a história clássica da gata borralheira transformada em uma elegante dama, mas o que a diferencia das demais é a forma como ela é conduzida, além da forma como a protagonista é retratada. Não é pelo fato da protagonista ser pobre que ela necessariamente precisa agir com inferioridade e é isso que torna o filme atraente, justamente por trazer uma mocinha que no fundo é uma anti-heroína, indo contra tudo o que era mostrado nos filmes de Hollywood na época.

Em uma noite, um entediado conde chamado  Armalia (George Zucco), após uma conversa filosófica com o amigo Rudi Pal (Robert Young), onde discutem o que separa e difere os ricos dos pobres, decide pegar a cantora de um cabaré e transformá-la em uma dama e deixá-la viver por duas semanas entre os ricos em um hotel. A escolhida é a ambiciosa Anni (Joan Crawford) que vê na oportunidade a chance perfeita de ascender socialmente.

Quando Anni chega à estação de trem, ela conhece Giulio (Franchot Tone), carteiro local, um homem simplório e sem grandes ambições. Ele a leva para o hotel e após isso torna-se presença constante em sua vida. No hotel, Anni vive sob a identidade de Anne Vivaldi, filha de um oficial, lá ela também reencontra uma antiga companheira de trabalho, Maria (Mary Philips) que torna-se sua cúmplice no plano de enriquecer.

No mesmo hotel, está Rudi que não a conheceu no cabaré, portanto não sabe do seu segredo. ele está acompanhado de sua noiva Maddalena (Lynne Carver), o pai dela e a Condessa di Meina (Billie Burke). Rudi encanta-se por Anni, mesmo estando comprometido e isso desagrada a Condessa que de cara nutre uma antipatia por Anni e sempre a alfineta de forma indireta. Ao perceber o interesse de Rudi, Anni decide encorajá-lo para conseguir casar-se com ele, mas ela acaba nutrindo um sentimento conflituoso pelo simplório Giulio que é o oposto de tudo o que ela ambiciona naquele momento.

Mesmo sendo a mocinha e a protagonista, Anni não é de longe uma heroína sonhadora ou ingênua, mesmo nas entrelinhas o filme mostra que ela é uma prostituta no cabaré em que trabalha, por isso ela vê nessa chance, a oportunidade de casar-se com um homem rico e esquecer seu passado. A sua ambição e às vezes a falta de um sentimento humano, fazem com que ela torne-se uma anti-heroína. Seu desprezo por Giulio é causado por ele ser o que ela no fundo sempre quis, mas como o dinheiro manda no mundo, ela procura em um homem a segurança financeira, em primeiro lugar.

Como em todo filme de Dorothy, a rivalidade feminina não é influenciada, com certeza vocês estão cansados de ler isso em meus textos sobre os filmes dirigidos por ela que escrevo, mas é uma das características do cinema da diretora e em cada filme essa característica é abordada de forma diferente. A única pedra no sapato de Anni é a Condessa que por ser rica e esnobe faz questão de alfinetá-la e a Condessa de longe percebe que Anni não é o que aparenta, mas mesmo assim não é um embate forte, apenas um tempero para a história. A relação de Anni com Maddalena também é abordada de forma diferente, mesmo Anni envolvendo-se explicitamente com seu noivo, não há conflitos entre as duas personagens, elas conseguem se entender sem a necessidade de conflitos.

Há uma cena interessante em que Anni diz a Rudi que ele é o homem comprometido e que isso é um problema que ele que tem que resolver e não ela, dificilmente veríamos cenas como essa nos filmes da época. Há outra cena interessante onde suicídio é mencionado de forma implícita e Anni diz que isso é um ato de coragem e não de covardia. Mesmo produzido sob as asas da censura é um filme que tentou ousar quando lhe era permitido. O destaque filme está obviamente em Joan Crawford, mesmo que o papel não lhe peça muito, ela está em um dos seus melhores momentos, tanto de atuação, quanto de beleza e Dorothy Arzner ciente de que estava diante de um dos rostos mais fascinantes do cinema, conseguiu capturar tudo isso.

O vestido vermelho, foi confeccionado por Adrian, famoso figurinista da MGM. Ele vestiu Joan Crawford, Norma Shearer, Greta Garbo, Katharine Hepburn, Jean Harlow e diversas outras estrelas do estúdio. Joan seria uma das atrizes que ele mais vestiria, ao todo 28 filmes estrelados por ela, contam com o figurino assinado por ele. 

Inicialmente, Joan Crawford não foi a primeira escolha para o papel: Luise Rainer havia sido a escolhida, porém Louis B. Mayer não havia gostado da forma como o roteiro do filme fora elaborado dando ênfase à prostituição. Ele então pediu uma reformulação onde ficasse evidente que a história seria uma versão sombria da história de Cinderela, mas com um final clássico e feliz. Com a desistência de Luise, Joan assumiu o papel. Este seria o último dos sete filmes estrelados por ela e por Franchot Tone, seu marido na época.

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