Pobres passando-se por ricos é um dos enredos mais batidos do cinema, porém torna-se fascinante quando uma habilidosa diretora pega uma história que poderia ser mais uma qualquer e consegue transformá-la em algo diferente do que já foi mostrado e é isso que podemos ver em "Felicidade de Mentira" (The Bride Wore Red) dirigido por Dorothy Arzner.

"Felicidade de Mentira", aborda a história clássica da gata borralheira transformada em uma elegante dama, mas o que a diferencia das demais é a forma como ela é conduzida, além da forma como a protagonista é retratada. Não é pelo fato da protagonista ser pobre que ela necessariamente precisa agir com inferioridade e é isso que torna o filme atraente, justamente por trazer uma mocinha que no fundo é uma anti-heroína, indo contra tudo o que era mostrado nos filmes de Hollywood na época.

Em uma noite, um entediado conde chamado  Armalia (George Zucco), após uma conversa filosófica com o amigo Rudi Pal (Robert Young), onde discutem o que separa e difere os ricos dos pobres, decide pegar a cantora de um cabaré e transformá-la em uma dama e deixá-la viver por duas semanas entre os ricos em um hotel. A escolhida é a ambiciosa Anni (Joan Crawford) que vê na oportunidade a chance perfeita de ascender socialmente.

Quando Anni chega à estação de trem, ela conhece Giulio (Franchot Tone), carteiro local, um homem simplório e sem grandes ambições. Ele a leva para o hotel e após isso torna-se presença constante em sua vida. No hotel, Anni vive sob a identidade de Anne Vivaldi, filha de um oficial, lá ela também reencontra uma antiga companheira de trabalho, Maria (Mary Philips) que torna-se sua cúmplice no plano de enriquecer.

No mesmo hotel, está Rudi que não a conheceu no cabaré, portanto não sabe do seu segredo. ele está acompanhado de sua noiva Maddalena (Lynne Carver), o pai dela e a Condessa di Meina (Billie Burke). Rudi encanta-se por Anni, mesmo estando comprometido e isso desagrada a Condessa que de cara nutre uma antipatia por Anni e sempre a alfineta de forma indireta. Ao perceber o interesse de Rudi, Anni decide encorajá-lo para conseguir casar-se com ele, mas ela acaba nutrindo um sentimento conflituoso pelo simplório Giulio que é o oposto de tudo o que ela ambiciona naquele momento.

Mesmo sendo a mocinha e a protagonista, Anni não é de longe uma heroína sonhadora ou ingênua, mesmo nas entrelinhas o filme mostra que ela é uma prostituta no cabaré em que trabalha, por isso ela vê nessa chance, a oportunidade de casar-se com um homem rico e esquecer seu passado. A sua ambição e às vezes a falta de um sentimento humano, fazem com que ela torne-se uma anti-heroína. Seu desprezo por Giulio é causado por ele ser o que ela no fundo sempre quis, mas como o dinheiro manda no mundo, ela procura em um homem a segurança financeira, em primeiro lugar.

Como em todo filme de Dorothy, a rivalidade feminina não é influenciada, com certeza vocês estão cansados de ler isso em meus textos sobre os filmes dirigidos por ela que escrevo, mas é uma das características do cinema da diretora e em cada filme essa característica é abordada de forma diferente. A única pedra no sapato de Anni é a Condessa que por ser rica e esnobe faz questão de alfinetá-la e a Condessa de longe percebe que Anni não é o que aparenta, mas mesmo assim não é um embate forte, apenas um tempero para a história. A relação de Anni com Maddalena também é abordada de forma diferente, mesmo Anni envolvendo-se explicitamente com seu noivo, não há conflitos entre as duas personagens, elas conseguem se entender sem a necessidade de conflitos.

Há uma cena interessante em que Anni diz a Rudi que ele é o homem comprometido e que isso é um problema que ele que tem que resolver e não ela, dificilmente veríamos cenas como essa nos filmes da época. Há outra cena interessante onde suicídio é mencionado de forma implícita e Anni diz que isso é um ato de coragem e não de covardia. Mesmo produzido sob as asas da censura é um filme que tentou ousar quando lhe era permitido. O destaque filme está obviamente em Joan Crawford, mesmo que o papel não lhe peça muito, ela está em um dos seus melhores momentos, tanto de atuação, quanto de beleza e Dorothy Arzner ciente de que estava diante de um dos rostos mais fascinantes do cinema, conseguiu capturar tudo isso.

O vestido vermelho, foi confeccionado por Adrian, famoso figurinista da MGM. Ele vestiu Joan Crawford, Norma Shearer, Greta Garbo, Katharine Hepburn, Jean Harlow e diversas outras estrelas do estúdio. Joan seria uma das atrizes que ele mais vestiria, ao todo 28 filmes estrelados por ela, contam com o figurino assinado por ele. 

Inicialmente, Joan Crawford não foi a primeira escolha para o papel: Luise Rainer havia sido a escolhida, porém Louis B. Mayer não havia gostado da forma como o roteiro do filme fora elaborado dando ênfase à prostituição. Ele então pediu uma reformulação onde ficasse evidente que a história seria uma versão sombria da história de Cinderela, mas com um final clássico e feliz. Com a desistência de Luise, Joan assumiu o papel. Este seria o último dos sete filmes estrelados por ela e por Franchot Tone, seu marido na época.

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Joan Crawford foi uma das atrizes mais populares de Hollywood da Era Clássica. Sua carreira se iniciou ainda no cinema mudo. Conseguiu fazer a tão temida transição para os filmes sonoros e teve bastante popularidade entre as décadas de 30 e 40. Era considerada ao lado de Norma Shearer e Greta Garbo, uma das rainhas da MGM, mas isso não significava que ela estava no mesmo patamar que as outras duas. Sua carreira no estúdio foi bastante turbulenta, já que se preocupavam em criar uma imagem glamourosa dela, colocando seu talento em segundo plano. Ela foi muito subestimada durante a era MGM, já que recebia muitas vezes roteiros recusados tanto por Norma Shearer, quanto por Garbo, mas às vezes mesmo em um filme mediano, ela conseguia se sobressair, mas nem sempre ela teve essa sorte e amargou alguns fracassos de bilheteria que a transformaram em "veneno de bilheteria". Após ser demitida da MGM, foi contratada pela Warner e foi a partir daí que passou a ser levada a sério como atriz e teve seu talento reconhecido, ganhando inclusive um Oscar.

Seu nome de batismo era Lucille Fay LeSueur e seu sonho era ser dançarina. Quando criança, sofreu um acidente que quase a impediria de realizar esse sonho. Começou sua carreira de dançarina, viajando pelos Estados Unidos com companhias teatrais. Em busca de um trabalho extra, fez um teste de tela para a MGM e foi contratada recebendo 75 dólares por semana. Sua primeira aparição nas telas ocorreu em "Lady of the Night", em 1925. No filme estrelado por Norma Shearer, Joan que na época ainda era creditada como Lucille, trabalhou como dublê de Norma Shearer que faz gêmeas no filme. Como na época não havia tecnologia para juntar um ator ou atriz que desempenhasse papel duplo na mesma cena, era normal a contratação de dublês que fossem parecidos com os atores.

Após uma sequência de papéis pequenos e muitas vezes não creditados durante 1925, Lucille foi notada por um chefe de publicidade do estúdio que enxergou um grande potencial na atriz desconhecida. Promoveu então uma forte campanha que incluía até a escolha de um nome artístico mais apropriado. Após um concurso em uma revista, seu nome artístico foi definido e assim nasceu "Joan Crawford". Mesmo após uma grande mobilização para torná-la uma estrela em ascensão na MGM, Joan se sentiu frustrada, pois achava que o estúdio não a estava levando a sério. Passou então a fazer a sua própria promoção, aparecendo em festas e participando de concursos de danças para que fosse notada. 

Sua estratégia funcionou e ainda em 1925, estrelou "Sally, Irene e Mary", sendo uma das protagonistas, ao lado de Constance Bennet e Sally O'Neil. O filme fez sucesso e finalmente a trouxe para o estrelato, mas a partir daí contou com a ameaça constante de Norma Shearer que era a prioridade do estúdio na escolha de papéis e projetos. O prestígio de Norma devia-se além do seu talento, o fato de ser casada com Irving Thalberg o produtor chefe da MGM na época.

Entre 1927 e 1928, apareceu em alguns filmes. Deste período podemos destacar ""O Monstro do Circo" (The Unknown), ao lado de Lon Chaney e "Procelas do Coração" (Across to Singapoure) ao lado de Ramón Novarro, dois grandes sucessos de bilheteria, mas foi com "Garotas Modernas" (Our Dancing Daughters) que finalmente sua carreira ascendeu. Em 1929, faria seu primeiro filme falado "A Indomável" (Untamed). 

Em 1931, iniciou uma parceria (e futuramente um caso amoroso) com Clark Gable. Desta parceria sairiam 8 filmes. Os mais notáveis foram "Possuída" (Possessed) (1931), "Amor de Dançarina" (Dancing Lady) e "Almas Rebeldes" (Strange Cargo). Em 1932, foi escalada para "Grande Hotel", primeiro filme da MGM que reunia alguns dos maiores astros e estrelas da casa em um roteiro bastante cuidadoso para que todos brilhassem. Houve uma grande comoção pelo fato do filme ter Greta Garbo no elenco e sugiram notas tendenciosas nos jornais e revistas de cinema que alimentavam uma possível rivalidade entre Joan e Garbo. Em entrevistas, Joan deixava bem claro que admirava Greta Garbo e que sonhava com uma possível cena em que as duas contracenassem. Infelizmente a cena não foi concebida e Greta Garbo seguiu em silêncio sobre o assunto. "Grande Hotel" foi um dos grandes sucessos daquele ano, tanto de crítica quanto de bilheteria e chegou a ganhar a estatueta de melhor Filme no Oscar.

Em 1932, estrelou "Redimida" (Letty Lynton), filme que causou mais polêmica em seus bastidores do que nas telas de cinema. A MGM foi acusada de plágio e teve que retirar o filme de circulação. O filme só poderá ser visto a partir de 2025, ano que entra em domínio público. Ainda em 1932, foi emprestada à United Artists para estrelar a primeira versão sonora de "Rain", interpretando a prostituta Sadie Thompson, magistralmente interpretada por Gloria Swanson anos antes no cinema mudo. 

Entre 1932 e 1937, ela estrelou diversos filmes que foram sucessos de bilheteria, trabalhando com diversos atores prestigiados da época como: William Powell, Spencer Tracy, Gary Cooper e Franchot Tone, ator que foi um de seus maridos. Ela chegou a casar-se também com Douglas Fairbanks Jr em 1929. Em 1938, amargou uma sequência de filmes que a classificaram como "Veneno de Bilheteria", termo usado para atores e atrizes que ganhavam um salário astronômico, mas os filmes estrelados por eles causavam prejuízos para os estúdios e salas de exibição.

Em 1939, conseguiu êxito ao ser uma das protagonistas de "As Mulheres" (The Women), ao lado de sua grande rival Norma Shearer. O filme foi um grande sucesso e trouxe a popularidade para Joan Crawford novamente. A rivalidade entre as atrizes foi amplamente explorada pelos jornais e revistas da época e isso fez com que as pessoas fossem aos cinemas para conferirem o resultado final. Após anos na MGM, lhe foi construída a imagem de mulher e atriz glamourosa e em todos os filmes do  estúdio, Joan aparecia de forma elegante, nos melhores vestidos e penteados. Chegou a lançar diversas tendências de moda. O vestido usado em "Letty Lynton" foi copiado por diversas mulheres.

Cansada dos papéis glamourosos, Joan aceitou dois papéis que fugiam da imagem criada a seu respeito pelo estúdio. Nos filmes "Almas Rebeldes" (Strange Cargo) e "Um Rosto de Mulher" (A Woman's Face), ela se despiu de qualquer vaidade e interpretou mulheres nada atraentes e nem glamourosas. "Um Rosto de Mulher" é uma refilmagem de "A Mulher que Vendeu a Alma" (En kvinnas ansikte), filme sueco de 1938, estrelado por Ingrid Bergman, antes de sua ida para Hollywood. Embora tenha um de seus desempenhos mais tocantes em filmes, Joan passou despercebida pelo Oscar e o filme fez um sucesso moderado. Joan só protagonizou esse filme, após ele ser recusado por Greta Garbo, que temia interpretar uma personagem de caráter controverso. Em 1940, ela romperia barreiras ao adotar Christina, a primeira de seus quatro filhos, como mãe solteira. Em 1942, ela se casou com o ator  Phillip Terry, com quem adotou o segundo de seus filhos. O garoto recebeu o nome de  Phillip Terry Jr, mas após o divórcio dos pais, teve seu nome mudado para Christopher. Anos depois adotou as gêmeas Cindy e Cathy.

Em 1945, começou a produção para uma versão cinematográfica de "Mildred Pierce", baseada no romance escrito por James M. Cain em 1941. Joan Crawford queria que esse fosse seu primeiro papel importante na Warner, mas Bette Davis foi considerada a primeira escolha para o papel. Com a recusa de Bette, Michael Curtiz, diretor do filme, negava-se a dirigir Joan Crawford. Ele ainda tentou sem sucesso convencer Barbara Stanwyck a aceitar o papel. A Warner então o obrigou a aceitar Joan Crawford no papel principal. Ela foi bastante criticada e humilhada pelo diretor, durante a produção do filme.

"Almas em Suplício", título que o filme recebeu aqui no Brasil, tornou-se um grande sucesso de bilheteria e crítica, rendendo a Joan Crawford uma indicação ao Oscar na categoria de Melhor Atriz. Esta seria a sua primeira indicação ao prêmio e mostra o quanto ela não era levada a sério pela MGM na época em que foi uma de suas maiores estrelas. O filme fez com que sua carreira renascesse e ela fosse considerada uma atriz mais séria e talentosa. Pelo seu desempenho neste filme, ela recebeu o prêmio de Melhor Atriz, derrotando atrizes como Ingrid Bergman, Gene Tierney, Jennifer Jones e Greer Garson, atrizes respeitadíssimas pela crítica. Sua vitória finalmente a traria para o patamar destas atrizes conceituadas em Hollywood.

Em 1946, estrelaria "Humoresque", uma refilmagem de um filme mudo, com algumas adaptações no roteiro. Em 1947 receberia sua segunda indicação por "Fogueira de Paixões" (Possessed), um de seus melhores desempenhos tanto de sua carreira, quanto da fase Warner. Em 1948, foi emprestada para a Fox para estrelar o filme "Êxtase de Amor" (Daisy Kenyon). De volta à Warner, estrela os filmes "Caminho para a Redenção" (Flamingo Road) e "Os Desgraçados não Choram" (The Damned Don't Cry). Em 1952, recebe sua última indicação ao Oscar por "Precipícios D'Alma" (Sudden Fear).

Na década de 50, Joan fez filmes para a Warner, além de um retorno para a MGM em "Se Eu Soubesse Amar" (The Torch Song), mas seria a Columbia, o estúdio onde faria a maioria dos seus filmes nessa década. Destaque para "Folhas Mortas" (The Autumn Leaves), onde interpreta uma mulher solitária que tem medo de se apaixonar. O filme é considerado um de seus maiores êxitos nessa fase. Nessa década ela ainda protagonizaria "Johnny Guitar", um dos faroestes que trazia a mulher como personagem principal e em um papel imponente. Este é um de seus filmes mais lembrados.

Em 1962, retorna para a Warner para protagonizar ao lado de Bette Davis "O Que Terá Acontecido a Baby Jane??" (What Ever Happened to Baby Jane?). Novamente, Joan estrelaria um filme ao lado de uma grande rival e novamente ela foi vítima do sensacionalismo dos jornais e revistas que publicavam diversos boatos sobre brigas nos bastidores do filme. A campanha sensacionalista deu certo e o filme fez um grande sucesso, dando mais um fôlego momentâneo para sua carreira, já que na época ela começava a envelhecer e Hollywood era bastante cruel com as mulheres que envelheciam.

Em 1964, protagonizou "Almas Mortas" (Strait-Jacket), um filme de horror dirigido e produzido pelo mestre do gênero William Castle. No mesmo ano, aceitou repetir a parceria com sua grande rival Bette Davis em "Com a Maldade na Alma" (Hush ... Hush, Sweet Charlotte), porém se afastou das gravações e foi substituída por Olivia de Havilland. Fez ainda mais quatro filmes, sendo "Trog" o último deles e não muito memorável. 

Após o desastre do filme "Trog", Joan decidiu se afastar das telas. Em 1970, chegou a ser homenageada, recendo um  Prêmio Cecil B. DeMille. Em 1971, escreveu uma segunda autobiografia. A primeira havia sido publicada em 1962. Em 1974, já sofrendo de câncer, fez sua última aparição pública. Foram tiradas fotos que ela considerou desrespeitosas e decidiu isolar-se por medo de ser ridicularizada. Após anos de isolamento e doenças, ela faleceu em 10 de maio de 1977, mas a sua história não terminaria com a sua morte.

Em 1978, sua filha Christina, publica "Mamãezinha Querida", livro onde relata a relação com a mãe. O livro causou polêmica ao trazer para a luz uma Joan Crawford alcoólatra, narcisista, violenta e abusiva, bem diferente da imagem que a atriz passava para o público. O livro ainda teve apoio de Christopher que confirmou todas as passagens escritas no livro. As gêmeas Cathy e Cindy, além de repudiarem o livro, cortaram relações com os dois irmãos e passaram a combater essa imagem concebida da mãe.

Mesmo com a polêmica causada, o livro tornou-se um dos best sellers do ano. Em 1981, o filme ganhou uma adaptação cinematográfica, com Faye Dunaway interpretando Joan. Uma nova polêmica foi causada novamente, a ponto de diversos amigos de Joan Crawford e até mesmo seu ex-marido Douglas Fairbanks Jr, saírem em sua defesa. O filme foi campeão de bilheteria, mas arruinou a carreira de Faye Dunaway, além de arranhar por um bom tempo a imagem de Joan.

Joan Crawford passou anos tendo como referência a imagem criada pelo livro e pelo filme baseados em sua relação com Christina. Passou anos sendo considerada uma megera caricata e todo seu legado no cinema foi posto em segundo plano. Sua imagem melhorou com o público, após a produção de "Feud: Bette vs Joan", uma minissérie escrita e produzida por Ryan Murphy em 2017.

"Percebi uma manhã que "Trog" seria meu último filme. Tive que acordar cedo para a sessão de fotos e quando olhei para fora, para o lindo céu da manhã, senti que era hora de me despedir. Acho que pode ter sido um pensamento profético porque quando cheguei ao set naquela manhã, o diretor me disse que devido a cortes no orçamento, encerraríamos as filmagens naquele dia. A última cena desse filme foi única e foi um momento muito emocionante para mim. Quando eu estava subindo aquela colina em direção ao pôr do sol, fui inundada com memórias dos últimos 50 anos, e quando o diretor gritou "corta", eu simplesmente continuei andando. Isso para mim foi a maneira perfeita de encerrar minha carreira no cinema, mesmo o público tendo uma experiência totalmente diferente da minha."

Norma Shearer, Greta Garbo e Mae West

1939, seria considerado o ano de ouro do cinema. Nesse ano que foram produzidas algumas das maiores pérolas do cinema: "...E o Vento Levou" (Gone With The Wind), "Ninotchka", "Vitória Amarga" (Dark Victory), "O Mágico de Oz" (The Wizard of Oz), "O Morro dos Ventos Uivantes" (Wuthering Heights), entre outros. Mas no ano anterior, Hollywood havia enfrentado uma grande crise com os seus filmes. As pessoas não estavam interessada nos filmes e nem nos astros e estrelas. Hollywood buscava uma solução e ao mesmo tempo buscava um culpado. Quem apontaria o culpado, ou melhor culpados, seria a Independent Theatre Owners Association, uma organização composta por donos de cinemas, que achou que a culpa dos fracassos dos filmes vinham dos atores e das atrizes. Foi a partir daí que surgiu o termo "Veneno de Bilheteria" (The Box Office Poison), que tiraria o sono de muitos atores e atrizes, além é claro, dos donos de estúdios.

Fred Astaire

Muitos fatores contribuíram para o fracasso de muitos filmes em 1938, um deles era a visão da Segunda Guerra Mundial no horizonte, fato que impossibilitava a distribuição dos filmes em outros países. Se um filme fracassasse nos EUA, não era possível recuperar parte dos gastos com o lucro das bilheterias de outros países. Anteriormente, haviam muitos casos de filmes que fracassavam nos EUA, mas que faziam sucesso absurdo em outros países e o lucro no final acabava compensando os gastos e a dor de cabeça que o fracasso do filme havia causado nos EUA.

Marlene Dietrich

Em 3 de maio de 1938, a Independent Theatre Owners Association, publicou no jornal Hollywood Reporter, um anúncio de página inteira onde nomeava atores e atrizes como: Mae West, Kay Francis, Greta Garbo, Katharine Hepburn, Fred Astaire, Joan Crawford e vários outros como venenos de bilheteria e criticava os estúdios que pagavam uma fortuna para essas estrelas e astros, cujo filmes não davam retorno financeiro para os estúdios e nem para as redes de cinema.

John Barrymore

Mais tarde novos nomes como Norma Shearer, Dolores del Rio, John Barrymore e Luise Rainer foram incluídos na lista. O termo "veneno de bilheteria" pegou entre os jornalistas e dias após o anúncio ser publicado, diversos jornais e revistas ainda discutiam o assunto. Até mesmo Louella Parsons e Hedda Hopper escreveram sobre a publicação do anúncio e saíram em defesa dos atores e atrizes mencionados na lista.

Katharine Hepburn

Mesmo com o grande boom do cinema em 1939, com grandes filmes nos cinemas, os jornalistas ainda perseguiam os atores e atrizes que eram considerados veneno de bilheteria. Haviam artigos que faziam um balanço dos filmes feitos entre 1938 e 1939 desses atores e atrizes, com o intuito de saberem se eles ainda poderiam ser considerados veneno de bilheteria. 

Kay Francis

Vale lembrar que na época da caça às bruxas, muitas informações não eram expostas ao conhecimento geral. Muitas das atrizes citadas na lista, estavam sendo sabotadas pelos estúdios com os quais possuíam contrato. Joan Crawford, Norma Shearer, Luise Rainer e principalmente Kay Francis são alguns exemplos. Mae West na época estava sendo vítima do Código Hays, que censurava boa parte dos seus filmes, fazendo com que sua popularidade caísse.

Luise Rainer

Outro fator a ser comentado é que esse termo foi mais prejudicial as atrizes do que aos atores. Muitos dos atores que estavam na lista, conseguiram dar a volta por cima e ter de volta sua popularidade, enquanto muitas atrizes decidiram se aposentar do cinema ou passar por um bom período sem atuar. Joan Crawford,  Marlene Dietrich e Katharine Hepburn foram algumas das atrizes que conseguiram recuperar a popularidade.

Joan Crawford

Em 1949, mais uma lista de veneno de bilheteria seria publicada, causando novamente pânico em Hollywood. Sylvia Sidney, James Cagney, Henry Fonda, Jennifer Jones, John Hodiak, Bette Davis e Shirley Temple foram os nomes adicionados a lista. O termo continua sendo usado até hoje, embora tenha um tom menos nocivo do que nas décadas de 30 e 40. Johnny Depp, Eddie Murphy, Katharine Heigl, Nicolas Cage, Daniel Craig, são alguns dos atores contemporâneos que são ou já foram considerados veneno de bilheteria. 

Dolores del Rio