Barbara Stanwyck nunca ter ganho um Oscar é uma das maiores injustiças cinematográficas já cometidas em todos os tempos. Ao todo Stanwyck recebeu 4 indicações: "Stella Dalas", "Bola de Fogo", "Pacto de Sangue" e "Uma vida por Um Fio": um drama, uma comédia e dois filmes noir onde em um ela interpreta uma vilã e em outro uma vítima. 

As indicações por si só mostram o talento e a versatilidade dessa atriz que até hoje permanece querida pelos cinéfilos. Fora outros grandes papéis em que ela sequer foi indicada.

Recebeu um prêmio Honorário em 1982. Stanwyck pode não ter sido reconhecida pela Academia, porém no Emmy e no Globo de Ouro, ela conseguiu ser valorizada. Ganhou um Globo de Ouro em 1984 por "Pássaros Feridos", além de ter sido indicada cinco vezes ao Emmy, ganhando quatro. Na década de 60 ganhou duas vezes seguidas (1967 e 1968) o prêmio de atriz mais popular do ano, feito pela revista "Photoplay". Na década de 80 foi constantemente homenageada e reverenciada, ganhando prêmios honorários.

Na foto, Stanwyck em 1966, recebendo um Emmy por "The Big Valley".

A comédia é um dos gêneros mais populares no cinema. Durante a Primeira e a Segunda Guerra Mundial e durante a Grande Depressão, foram as comédias (e os musicais posteriormente), que salvaram as pessoas e o cinema, trazendo mais leveza e otimismo para a vida dos espectadores. A comédia sempre esteve presente durante os primórdios do cinema, sendo bastante popular no cinema mudo e atingindo um alto grau de popularidade durante as décadas de 30 e 40, graças ao surgimento das Screwballs, as comédias malucas. Muitos clássicos produzidos durante essas décadas, permanecem atuais, fascinantes e engraçados e muitas dessas comédias salvaram carreiras, estúdios e trouxeram uma sensação de que no final tudo ficaria bem.

L'arroseur Arrosé (O Regador Regado), de 1896, feito na França, pelos irmãos Lumière é considerada a primeira obra de comédia do cinema. No cinema mudo, o humor das comédias era totalmente pastelão. Pela ausência de diálogos, os atores precisavam passar o humor através de suas expressões corporais e faciais. Nessa época era comum filmes com tortas na cara, quedas, perseguições, entre outros artifícios que caracterizaram a comédia no cinema mudo.
Foi durante o cinema mudo, que surgiram os considerados "pais" da comédia:  Buster Keaton, Harold Lloyd, Harry Langdon e claro Charles Chaplin, considerado o maior de todos. Stan Laurel e Oliver Hardy, o gordo e o magro, como são conhecidos aqui no Brasil, foram um dos poucos comediantes do cinema mudo, que conseguiram fazer a transição para o cinema sonoro e manterem a popularidade.
Na década de 20, surgiu um dos trios mais populares da comédia no cinema: "Os Três Patetas" (The Three Stooges). O trio se formou em 1922 e permaneceu em atividade até a década de 70. O trio passou por diversas reformulações e a formação mais famosa é a composta por Moe Howard, Larry Fine e Curly Howard, durando 12 anos e rendendo 97 curtas, sendo considerada a melhor formação do trio dos Patetas.
No final da década de 20, surgiam no cinema, os Irmãos Marx, vindos do vaudeville. Inicialmente um quarteto, assinaram um contrato com a Paramount em 1929 e filmaram "No Hotel da Furzaca" (The Cocoanuts). Em 1933 fariam "Diabo a Quatro" (The Duck Soup), considerado o melhor filme do grupo. O grupo original era formado por Groucho, Harpo, Chico e Gummo. Gummo, que nem chegou a estrelar um filme, saiu para lutar durante a Primeira Guerra Mundial, jamais retornando para o grupo. Foi substituído por Zeppo. Após "Diabo a Quatro", foi a vez de Zeppo abandonar o grupo. Chico, Groucho e Harpo, mantiveram o grupo até o fim da década de 50.
Na década de 30, surgiram as Screwballs, as comédias malucas. O primeiro registro de uma screwball se deu em "Ladrão de Alcova" (Trouble in Paradise), em 1932, porém o gênero se consolidaria em 1934, após "Aconteceu Naquela Noite" (It Happened One Night), arrebatar diversos prêmios no Oscar, incluindo os prêmios de Melhor Ator, Melhor Atriz e Melhor Diretor, para Clark Gable, Claudette Colbert e Frank Capra respectivamente.
O que separa uma Screwball de uma comédia comum, é o leque de situações consideradas "anormais" que este tipo de filme apresenta: desde um leopardo como animal de estimação em "Levada da Breca" (Bringing Up Baby), passando por um marido considerado morto e que ao retornar se depara com a mulher casada com seu melhor amigo em "Maridos em Profusão" (Too Many Husbands), temos ainda uma corista se passando por uma baronesa em "Meia-Noite" (Midnight) e uma mulher se passando por uma adolescente em "A Incrível Suzana" (The Major and  the Minor). São situações como essas que mesmo impossíveis de acontecerem na vida real, divertiam as pessoas.
Algumas screwballs iam além do papel de divertirem e retratavam de forma cômica, alguns estigmas sociais: "Irene, a Teimosa" (My Man Godfrey) retratava os estereótipos dos ricos e pobres, mostrando os ricos de três formas: a forma excêntrica representada pelos pais de Irene, a forma esnobe e preconceituosa, representada por Cornelia, irmã de Irene e a forma comum e humana, representada pela própria Irene.
Outra característica presente em boa parte das screwballs, é a inversão social: ricos se passando por pobres e pobres se passando por ricos. Isso era um desejo da audiência, que durante a Depressão desejava mesmo que fosse nos filmes, ver a classe rica passando por apuros e a classe pobre se sobressaindo. "As Três Noites de Eva" (The Lady Eve) é um dos filmes que abordam essa inversão de classes sociais.
"Sua Excelência, o Chofer" (Merrily We Live) realizado em 1938, possui uma trama bastante semelhante à "Irene, a Teimosa", porém retrata de forma bastante cômica, o estigma social de todos os pobres, principalmente ex-condenados, serem considerados desonestos. A matriarca de uma família tem o costume de ajudar andarilhos que passam por sua mansão, dando-lhes empregos, porém ela acaba sempre sendo roubada por eles e a família acaba desenvolvendo um tipo de "preconceito" contra as pessoas pobres. O preconceito é dissolvido, com a chegada de um andarilho que é promovido de mordomo a chofer, mostrando que pessoas pobres também são honestas. Como era de se esperar de uma screwball, esse filme conta com uma sequência onde o chofer se passa por um homem rico em uma festa promovida pela família.
O diálogo rápido, às vezes carregados de segundas intenções é outra característica marcante desse tipo de comédia. Filmes como "Cupido é Moleque Teimoso" (The AwfuI Truth) e "Jejum de Amor" (His Girl Friday), são carregados desse tipo de diálogo. O declínio das screwballs ocorreu na metade da década de 40, mas isso não impediu que o gênero fosse reavivado e homenageado nas décadas seguintes, em filmes como "O Inventor da Mocidade" (Monkey Business), de 1952, "Confidências à Meia-Noite" (Pillow Talk) de 1959, "O Esporte Favorito dos Homens" (Man's Favorite Sport?) de 1964, entre outros.

Asta Nielsen foi uma das lendas do cinema mudo. Uma de suas características marcantes era a sombra exagerada em torno dos olhos. Dinamarquesa, fez enorme sucesso na Alemanha, onde foram produzidos praticamente todos os seus filmes. Seus filmes eram constantemente censurados nos Estados Unidos, fazendo com que seu nome se tornasse obscuro por lá. Em 1921, protagonizou uma ousada versão de "Hamlet", de Shakespeare, onde o personagem principal ao invés de ser um homem, como na história original, é uma mulher disfarçada de homem.  Na década de 20, no auge de sua carreira, chegou a fundar seu próprio estúdio, prática bastante comum na época do cinema mudo. Com a ascensão do Nazismo, Nielsen decide voltar para a Dinamarca e encerra sua carreira de atriz, tornando-se uma artista plástica e escritora. Durante o regime nazista, Asta se opôs firmemente, chegando a ajudar indiretamente judeus, doando dinheiro para compra de alimentos. Em 1970, quebrou barreiras ao se casar aos 88 anos. Ela morreu dois anos depois.

O Ser Humano sempre foi fascinado por imagens em movimento. Bem antes do cinema surgir, existiam as sombras chinesas. As sombras chinesas consistiam em um boneco sustentado por varas, uma luz e um fundo. O público sentava diante dessa tela e ficava fascinado ao ver aquele jogo de sombras se movimentando. O cinema existe hoje, graças a diversos experimentos datados bem antes  dos considerados "pais do cinema": Thomas Edison, Georges Méliès, os irmãos Lumière, entre outros. 

A primeira menção sobre um experimento que remetia ao cinema é datada em 1420, na Itália. Esse experimento, consistia em uma lanterna que projeta numa parede, um quadro pintado no seu cilindro de vidro, essa foi a primeira menção de uma lanterna que reproduzia uma imagem aumentada em uma parede. Em 1640 surgiu a "Lanterna Mágica", uma lanterna que reproduzia em uma parede, uma imagem aumentada, pintada em um cilindro de vidro, uma versão mais aprimorada do primeiro experimento de 1420.

Em 1784, na França E. G. Robert aperfeiçoa a lanterna mágica, construindo o fantascópio, que consistia em criar movimentos a partir do deslocamento de figuras desenhadas. Em 1872, nos Estados Unidos, são feitas as primeiras fotografias em série, em 24 chapas distintas, com intervalos desiguais. Em 1887 Thomas Edison inventa o Cinetoscópio, primeira máquina com progressão intermitente da fita, de imagem em imagem, por meio de engrenagem. A fita ficava imóvel durante a exposição e durante o movimento, era protegida contra a luz, por um diafragma. Em 1889 é fornecido a Edison o primeiro filme de celuloide sensível à luz e provido de perfurações. 

Em 1891, Edison patenteia as fitas de celuloide. No mesmo ano, na Alemanha, ocorre a primeira exibição de imagens fotográficas em movimento. Na França, em 1894, os irmãos Louis-Jean e Auguste-Marie-Louis-Nicholas Lumière inventam a câmera cinematográfica e rodam no ano seguinte, o seu primeiro filme: "A Saída dos Operários da Fábrica Lumière"e solicitam a patente do Cinematógrafo.

Os primeiros filmes não possuíam enredos e eram feitos em tom documental. Em 1903, surge "O Grande Roubo do Trem", de Edwin F. Porter, que marcaria o cinema, por trazer uma história sem o tom documental. "O Grande Roubo do Trem", iniciaria uma onda de filmes de ação com enredo, despertando a atenção do público. Nessa época, esses filmes eram exibidos em teatros de Vaudeville, nos intervalos, ou nos finais dos espetáculos, na intenção de fazer com que o público se retirasse mais depressa das salas, porém o inverso aconteceu: as pessoas ficaram fascinadas por aquelas imagens em movimento e assim os espetáculos de Vaudeville começaram a ser ameaçados pelos filmes.

Mesmo com os filmes despertando a atenção das pessoas, muitos empresários de Vaudevilles, não viam ameaça nos filmes, achavam que aquilo era uma moda passageira. Ainda nessa época, os filmes eram exibidos no final dos espetáculos. Por causa da comoção, passaram a ser exibidos no meio dos espetáculos, como forma de segurar a audiência, caso um espetáculo fosse ruim. Um ano antes, em  1902, surgia "Viagem à Lua" (“Le Voyage dans la Lune”) de Méliès, considerado o primeiro filme de Ficção Científica do Cinema.

Em 1909, foi o grande "boom!" do Cinema Mudo. Grandes estúdios surgiram, enquanto outros que haviam surgido anteriormente, como a Biograph e a Pathé, se tornaram bastante populares. Em 1915, o cinema já se tornara algo popular: as salas de cinema cresciam e boa parte dos estúdios se mudaram para Hollywood. Em 1919 surge a United Artists, primeiro estúdio independente da história do cinema, fundado por Charles Chaplin, D.W. Griffith, Mary Pickford e Douglas Fairbanks. O estúdio no cinema mudo produziu clássicos como "O Ladrão de Bagdá" (The Thief of Bagdad), "O Pirata Negro" (The Black Pirate), "Robin Hood", entre outros. 

Além da falta de som nas películas, o Cinema Mudo era caracterizado por atuações que davam ênfase à expressões faciais e corporais, intertítulos que exibiam diálogos ou passagens escritas do filme, com a intenção de facilitar o entendimento da história, velocidade de projeção, principalmente em comédias e a tintura de algumas películas. Alguns filmes foram tintados totalmente ou parcialmente. As películas eram mergulhadas em corantes e tingidas para representarem humor ou hora do dia. A tonalidade azul era usada para representar cenas noturnas. A tonalidade amarela para as cenas diurnas. A tonalidade vermelha para cenas com fogo, ou cenas passionais e violentas. O verde para cenas misteriosas. Existiam também os filmes pintados à mão. Méliès foi o pioneiro em utilizar essa técnica.

Outra característica do Cinema Mudo era o acompanhamento musical. A primeira exibição de um filme dos irmãos Lumière em 1895, em Paris, ditou a regra de que todo filme mudo deveria ser acompanhado por uma orquestra. A música também funcionava como um apoio as atuações dos atores ou as situações apresentadas nos filmes. Com a popularização do Cinema, era comum as salas de exibições contarem com orquestras que tocavam ao vivo. Algumas trilhas sonoras foram gravadas em discos e sobreviveram ao tempo, sendo inseridas posteriormente nos filmes lançados em dvds ou blu-rays. 

Quando falamos em Cinema Mudo, na maioria das vezes nos centramos apenas no cinema americano, mas nesse período surgiu um importante movimento: O Expressionismo Alemão ou o Cinema Expressionista Alemão. Esse movimento produziu pérolas como "O Gabinete do Dr. Caligari" (Das Cabinet des Dr. Caligari), "A Caixa de Pandora" (Die Büchse der Pandora), "Genuine", "O Golem" (Der Golem, wie er in die Welt kam), "Nosferatu" (Nosferatu, Eine Symphonie des Grauens), "Metropolis", entre outros. Outros países que produziram filmes mudos: Rússia, México, França e até mesmo o Brasil.

O Cinema Mudo foi responsável em popularizar diversos gêneros, o principal gênero foi a comédia, onde surgiram diversos nomes como Charles Chaplin, Buster Keaton, Harold Lloyd, Stan Laurel e Oliver Hardy (o Gordo e o Magro), Fatty Arbuckle, Mabel Normand, entre outros. Além dos gênios da comédia, o Cinema Mudo popularizou nomes de astros e estrelas como Greta Garbo, Lillian Gish, Rudolph Valentino, Lon Chaney, Gloria Swanson, Theda Bara, Clara Bow, Louise Brooks, Pola Negri,  Mary Pickford, Janet Gaynor, Alla Nazimova, John Gilbert, Douglas Fairbanks, considerado o "pai" dos filmes de ação, entre outros.

Além dos atores, haviam também os diretores que se tornaram populares: D.W. Griffith, considerado um dos maiores gênios do cinema, Raoul Walsh, Murnau, Ernst Lubitsch, Erich von Stroheim, Fritz Lang, Abel Gance, John Ford, Frank Borzage, Cecil B. De Mille, que já produzia seus épicos ainda no cinema mudo, entre outros. Assim como alguns dos atores e atrizes citados acima, alguns desses diretores conseguiram êxito também no cinema sonoro.

O Cinema Mudo foi o período em que as mulheres mais trabalharam em cargos de liderança: haviam diretoras, donas de estúdios, roteiristas, produtoras, entre outros cargos de liderança. Mulheres como Alice Guy Blaché, Lois Weber, Mabel Normand, dirigiam filmes. Atrizes como Alla Nazimova, Fern Andra, Asta Nielsen, produziam seus próprios filmes.

No final da década de 20, havia uma extrema necessidade de reinventar o cinema e manter a popularidade dos filmes. Começou então, testes de filmes genuinamente sonoros. "O Cantor de Jazz" de 1927, é considerado o divisor de águas entre os filmes mudos e sonoros. As falas e as músicas foram gravadas em discos de acetato. A princípio apostaram no fracasso do filme, usando como base o fato do público ter se acostumado aos filmes mudos, porém o filme acabou inovando e foi um grande sucesso, chegando a ganhar um Oscar especial por ter revolucionado o cinema.

Após "O Cantor de Jazz", boa parte dos estúdios passaram a se adaptar a nova tecnologia que permitia captar sons e diálogos e naturalmente boa parte dos atores e atrizes passaram a estrelar filmes falados. Mas nem todos foram bem sucedidos. Alguns astros e estrelas possuíam um forte sotaque, outros não tinham uma voz considerada "atraente" e muitos simplesmente não conseguiram se adaptar ao novo estilo de filmagem. Com a chegada do cinema falado, muitas carreiras se findaram e tanto os estúdios, quanto os astros e estrelas, entraram em pânico.

Com a popularização do cinema sonoro, muitos donos de estúdio achavam que os filmes mudos eram uma coisa ultrapassada e passaram a se desfazer de diversos títulos. Filmes como "Salvo do Titanic" (Saved From the Titanic), "Os Homens Preferem as Loiras" (Gentlemen Prefer Blondes) (1927), "O Grande Gatsby" (The Great Gatsby), "London After Midnight", "Os 4 Demônios" (4 Devils), "The Gulf Between", o primeiro filme em Technicolor e o primeiro filme colorido em longa metragem dos Estados Unidos, entre outros, foram perdidos para sempre. Existem filmes que sobreviveram, mas que tiveram diversas partes perdidas, alguns exemplos: "Sedução do Pecado" (Sadie Thompson) e The Toll of the Sea, segundo filme em Technicolor de duas faixas. Um incêndio na Fox em 1937, resultou na perda de diversos filmes, dentre eles quase a filmografia completa de Theda Bara. Dos mais de 40 filmes estrelados pela atriz, apenas 6 sobreviveram. Clássicos estrelados pela atriz como "Cleópatra", "Salomé", "Madame Du Barry", "Camille", foram perdidos para sempre. 

Mesmo com a popularização dos filmes sonoros, na década de 30, ainda se produziam filmes mudos, porém esses filmes ficaram taxados como "filmes artísticos", por usarem uma tecnologia que para o público daquela época, já era ultrapassada. Filmes como "O Pão Nosso de Cada Dia" (City Girl), "Luzes da Cidade" (City Light), "Tabu", "Gente no Domingo" (Menschen am Sonntag), receberam essa alcunha. Em 2011, "O Artista", filme francês, resgata o período do Cinema Mudo, sendo produzido como um filme mudo. O filme foi reverenciado e ganhou diversos prêmios, inclusive um Oscar na categoria de melhor filme.

Jane Austen nasceu em 16 de Dezembro de 1775 em Steventon, Hampshire, Inglaterra. Foi a sétima filha do reverendo George Austen que era um pároco anglicano e de Cassandra Leigh (nome de solteira). É considerada a maior escritora de todos os tempos de acordo com sua trajetória e pela sua literatura atemporal. Entre 1785 e 1786, Jane e sua irmã Cassandra, foram alunas de um internato em Reading, lugar que serviu de inspiração para o internato da Sra. Goddard em "Emma''. Nos anos posteriores a 1787, Jane Austen escreveu sem nenhum tipo de compromisso "Juvenilia" que inclui diversas paródias da literatura da época. Entre 1795 e 1799 começou a redigir as primeiras versões de "Razão e Sensibilidade", "Orgulho e Preconceito" e "A Abadia de Nothanger". Em 1797 seu pai quis publicar "Orgulho e Preconceito", mas o editor recusou.

Nunca foi provado se Jane foi cortejada por alguém, apesar dela ter tido um breve romance juvenil com Thomas Lefroy, parente de uma amiga sua aos 20 anos, porém não puderam se casar por motivos financeiros. Depois desse incidente Jane foi apresentada a um reverendo, mas mostrou-se não estar interessada. No fim nem Jane e nem sua irmã Cassandra se casaram. Em 1803, Jane conseguiu vender seu romance "A Abadia de Northanger" por 10 libras esterlinas. O livro só foi publicado 14 anos depois.

A morte de seu pai em janeiro de 1805, deixa a família em uma situação precária e elas passam a depender dos irmãos e de uma pequena herança que Cassandra havia herdado de um dos seus pretendentes que havia morrido. Em 1809 Jane revisa "Razão e Sensibilidade" que foi aceito por um editor entre 1810 e 1811. A obra foi publicada de forma anônima em outubro sob o pseudônimo de "By a Lady", teve críticas favoráveis e um lucro de 140 libras. "Orgulho e Preconceito" foi vendido em novembro de 1812 e publicado em janeiro do ano seguinte, com Jane já escrevendo "Mansfield Park".

Graças a indiscrição de sua família, Jane teve seu nome difundido e atingiu seu êxito com "Mansfield Park" vendendo todos os exemplares em seis meses. Com esse incentivo, começaria a escrever "Emma" em 1814. Em 1815, Jane começa "Persuasão". Em 1817 começa a escrever "Sanditon" porém abandona a obra devido a seu estado de saúde. Acabou falecendo em 18 de julho de 1817 aos 41 anos.