Os Anos Perdidos: artigo

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A boneca Barbie foi lançada pela empresa Mattel em 1959 e desde então tornou-se um dos brinquedos mais populares durante várias gerações. É também o produto mais vendido da empresa, ao todo foram vendidas mais de 1 bilhão de bonecas. Para a criação da Barbie, foi usada uma boneca alemã chamada Bild Lilli como inspiração.

Ruth Handler foi a responsável pelo surgimento da boneca Barbie. Ela observou que sua filha brincava com bonecas de papel e dava a elas papéis de adultos. Naquela época as bonecas fabricadas eram baseadas em bebês. Ela então apresentou a seu marido Elliot, um dos co-fundadores da Mattel, a ideia de fabricação de bonecos com corpos adultos. A ideia não foi recebida com entusiasmo por ele e nem pela gestão da empresa. A Mattel foi criada por Ruth, seu marido Elliot e Harold Matson. Mattel é uma junção do nome de Elliot e o sobrenome de Matson. Ruth chegou a atuar como presidente da empresa entre 1945 a 1975.

Durante uma viagem à Alemanha em 1956, Ruth se deparou com um modelo de boneca adulta que ia de encontro com a ideia que ela havia apresentado anos antes. Ela trouxe consigo três exemplares. Com a ajuda do designer Jack Ryan, ela remodelou a boneca e a batizou de Barbie em homenagem à sua filha, Barbara.

A primeira aparição da Barbie foi em uma feira em 1959. Ela usava um maiô listrado e estava disponível nas versões loira e morena. Cerca de 350 mil bonecas foram vendidas durante o primeiro ano. A empresa responsável pela boneca Bild Lilli, entrou com um processo contra a Mattel. A empresa havia licenciado a boneca, porém acusava a Mattel de ter plagiado a aparência e divulgado que o design havia sido criado por eles e não inspirado em uma boneca já lançada.

O caso foi resolvido fora dos tribunais e a Mattel comprou os direitos autorais e de patente referentes a Bild Lilli. Durante a década de 70, Ruth e seu marido, Elliot, foram afastados da Mattel após a descoberta de fraudes em relatórios financeiros. A boneca Barbie foi um dos primeiros brinquedos a ter uma estratégia de vendas. Além dos brinquedos, a boneca já apareceu em filmes, jogos, além de estampar cadernos, linhas de roupas e acessórios.

A criação

Bild Lilli, a inspiração

Ruth Handler, a criadora

Francesca Bertini

O que Greta Garbo, Bette Davis, Marlene Dietrich, Rita Hayworth, entre outras estrelas tem em comum? Além de serem grandes atrizes do cinema clássico, são consideradas até hoje Divas. "Diva" é uma entidade cercada de mistério, beleza, glamour e adoração, mas esse termo existe desde os primórdios do cinema e antes delas, existiam outras atrizes que eram endeusadas pelas pessoas. Mas afinal o que é o "Divismo" e como ele nasceu?

Sarah Bernhardt

O Divismo (termo original) provavelmente nasceu na Itália, uma das primeiras mecas do cinema mudo. Logo depois o Divismo se instalou em Hollywood, onde popularizou o sistema de astros e estrelas de cinema. Antes do Divismo cinematográfico, havia o teatral que surgiu em torno de 1890. Sarah Bernhardt, é a mais famosa e popular Diva teatral desse período.

Lyda Borelli

No início da década de 10, na Itália, Lyda Borelli, estrelou o primeiro filme de Diva: "Ma l'amor mio non muore". Além de Borelli, havia também Francesca Bertini, uma das atrizes que popularizaram o termo "Diva". Pina Menichelli , Itália Almirante Manzini, foram outras atrizes italianas que contribuíram para o Divismo. As Divas também foram responsáveis pelo nascimento das Vamps no Cinema Mudo.

Francesca Bertini

Na década de 20, o Divismo chega em Hollywood. O Divismo foi responsável pela criação da Hollywood que conhecemos até hoje. O famoso "Star System". Os filmes começaram a ser produzidos com uma preocupação maior e com mais qualidade, afim de se tornarem um veículo de divulgação de suas estrelas e astros contratados. Hollywood também criava um misticismo em torno de seus contratados. Greta Garbo e Marlene Dietrich são os maiores exemplos do Divismo em Hollywood. Garbo adquiriu a fama de ser inalcançável, enquanto Dietrich adquiriu a fama de ser uma mulher sensual.

Itália Almirante Manzini

Com a chegada do cinema sonoro, o Divismo sofreu um leve declínio, com a queda de diversos atores e atrizes que não se adequaram ao novo sistema. Foi nesse período também que o Divismo sofreu uma grande transformação: no cinema mudo, os atores e atrizes eram vistos como pessoas livres e inconsequentes. Com a chegada do Código Hays, Hollywood trabalhou a imagem dos astros e estrelas, beirando o moralismo, mas não deixando de lado o apelo sexual e midiático.

Anna Magnani

O Divismo passaria por uma nova transformação durante o Neo-Realismo na Itália: Anna Magnani, uma atriz que fugia dos padrões de beleza impostos pelo Divismo, se tornaria um dos grandes nomes desse período, justamente por quebrar regras de beleza, fugir do status de "deusa inalcançável" e ter um forte temperamento, criando uma legião de atrizes seguidoras de seu estilo como: Sophia Loren, Gina Lollobrigida, entre outras. Nesse período, Ingrid Bergman também quebrou barreiras ao abandonar o estilo Hollywoodiano e entrar de cabeça nos filmes Neo-Realistas que não possuíam o mesmo glamour dos filmes americanos e eram bem mais artesanais e humanos.

Jean-Luc Godard

Nos anos 60, o Divismo novamente passaria por uma transformação com a chegada da Nouvelle Vague, que traria o Divismo não só para os atores, mas principalmente para os diretores. Nomes como François Truffaut e Jean-Luc Godard, representam esse período, onde os diretores passaram a ser endeusados até mais que os atores. Ainda na Itália, seria a vez de Fellini.

Monica Vitti

Ainda nos anos 60, o Divismo popularizaria estrelas como Brigitte Bardot e Monica Vitti, mas também encontraria astros e estrelas que recusavam-se a aderir ao movimento: Marlon Brando, James Dean, Paul Newman, Montgomery Clift. Marilyn Monroe, mesmo considerada uma "Diva", não fez parte do movimento, já que lutava contra a imagem que os estúdios queriam construir sobre ela.

Sessue Hayakawa

O Divismo como percebe-se, não se enquadrava apenas às mulheres. No cinema mudo homens como Sessue Hayakawa, Chaplin e Buster Keaton se enquadravam no Divismo. Rudolph Valentino provavelmente foi o maior ator do Divismo no Cinema Mudo. Atraía multidões para o cinema, é considerado um dos primeiros símbolos sexuais do cinema e sua morte causou comoção mundial, contribuindo com diversos casos de suicídio entre seus fãs.

Rudolph Valentino

Ela foi uma das grandes atrizes da Era de Ouro do Cinema. Possuía um estilo único. Uma aura. Um magnetismo. Um mistério. Começou a carreira ainda no cinema mudo e causou sensação quando estrelou seu primeiro filme falado. Era uma atriz avessa ao estrelismo e possuía hábitos peculiares. Rejeitava qualquer tipo de interação com repórteres, dando poucas entrevistas e declarações públicas. Queria ser reconhecida por seu talento, mas as pessoas queriam tratá-la como uma estrela. Cansada do jogo de Hollywood, causou espanto ao largar sua carreira, para viver de forma anônima. Recebeu diversos convites para retornas às telas, mas sempre algo dava errado. Tais acontecimentos alimentaram mais ainda o mito que Greta Garbo se tornaria.

Seu nome de batismo era Greta Lovisa Gustafsson, nascida em Estocolmo em 18 de Setembro de 1905. Antes de atingir o estrelato, trabalhou como assistente em uma barbearia, mas seria em uma loja de departamentos, que sua vida iria mudar para sempre. Na loja, Garbo estrelou diversos comerciais sobre moda feminina. Ao ser notada por um diretor, ganhou um papel em uma peça. Entre 1922 e 1924, estudou teatro em uma das escolas mais importantes da Suécia. Foi nesse período, que foi notada por Mauritz Stiller, que a convidou para fazer um papel no filme "A saga de Gösta Berlings" (Gösta Berlings saga). Em seguida, fez "A Rua Das Lágrimas" (Die freudlose Gasse) sob direção de G. W. Pabst e dividindo o protagonismo com Asta Nielsen.

Stiller, recebeu um convite da MGM, para dirigir filmes nos Estados Unidos e levou consigo Garbo. Em 1925, Stiller e Garbo partiriam para os Estados Unidos. Ao chegarem no aeroporto, foram recebidos apenas por um agente do estúdio e um fotógrafo. Essa seria uma das primeiras decepções de Garbo com Hollywood. Ficaram seis meses sem nenhum tipo de contato com o estúdio. Prestes a retornar para a Suécia, Garbo recebeu um telegrama para um teste. Ao fazer o teste, impressionou a todos, principalmente Irving Thalberg, na época o grande produtor da MGM. Ele se encantou com o que viu nos copiões, mas pediu para que Garbo passasse por um tratamento de beleza. Garbo então teve seus dentes arrumados, emagreceu e teve aulas de inglês.

Seu primeiro filme em Hollywood foi "Laranjais em Flor" (Torrent). O filme foi um sucesso de público e Garbo teve seu nome alavancado. Seu segundo filme americano foi "Terra de Todos" (The Temptress), filme que Garbo acreditaria ser dirigida por Stiller, que devido ao seu temperamento difícil, foi demitido e retornou para a Suécia. Os dois jamais voltariam a se encontrar. Foi durante esse filme, que Garbo recebeu a notícia de que sua irmã Alva, havia falecido. Não foi liberada para dar o último adeus à sua irmã. Dizem que esse acontecimento a magoou profundamente e fez com que ela desenvolvesse uma certa aversão por Hollywood. Após esse filme, Garbo fez mais filmes mudos que fizeram sucesso. Talvez o maior de todos seja "A Carne e o Diabo" (Flesh and the Devil), filme em que Garbo interpreta Felicitas, uma vamp que causa a discórdia ao fazer jogos amorosos com dois amigos de longa data. O filme evidencia a química que Garbo e John Gilbert possuíam dentro e fora das telas. Os dois tiveram um turbulento relacionamento, rompido por Garbo, que se recusava a casar.

No final da década de 20, o cinema passava por uma grande transformação: os filmes mudos davam lugar aos filmes falados. Tal mudança causou bastante comoção. Diversas carreiras se findaram com a transição do cinema mudo para o falado. Atores e atrizes que não possuíam uma voz atraente ou forte sotaque não eram aceitos pelo público. Temia-se que o mesmo ocorresse com Garbo.

"Anna Christie", foi seu primeiro filme falado. Foi feito um grande circo midiático em cima disso. Um slogan foi criado para anunciar a novidade: "Garbo Fala!" anunciava que em 1930, Greta Garbo teria sua voz ouvida pelo público. Na MGM temia-se que a maior de suas estrelas fosse rejeitada pelo público devido ao seu forte sotaque. O oposto ocorreu. As pessoas se encantaram por aquele sotaque carregado e o filme foi um grande sucesso, dando a Garbo a sua primeira indicação ao Oscar na categoria de Melhor Atriz. Aproveitando o sucesso do filme, foi filmada uma versão em alemão. Tal prática era comum nesse período já que a dublagem não era tão popular.

Ainda em 1930, filmaria "Romance", filme que lhe daria a sua segunda indicação simultânea ao Oscar. Mesmo concorrendo duas vezes ao prêmio, perdeu para Norma Shearer em "A Divorciada" (The Divorcee). Em 1932, Garbo se juntaria a astros e estrelas da MGM, como Joan Crawford, Lionel e John Barrymore, no filme "Grande Hotel", outro grande sucesso do estúdio. Em 1933, após um período de férias, renovou seu contrato com a MGM, sob a condição de estrelar um filme sobre a rainha Cristina da Suécia. Foi então que surgiu "Rainha Christina" (Queen Christina), uma das grandes produções da MGM na época. Um close-up de seu rosto, no final do filme, entrou para a galeria de grandes cenas do cinema.

Em 1935, Garbo interpretaria mais uma vez a trágica Anna Karenina. Garbo já havia interpretado Karenina, no filme "Love" de 1927. No ano seguinte interpretaria uma das suas maiores personagens: a cortesã Marguerite Gautier em "A Dama das Camélias" (Camille), baseado no romance de Alexandre Dumas Filho. "A Dama das Camélias" tornou-se a sua maior e mais conhecida atuação, dando-lhe a sua segunda indicação ao Oscar, perdendo para Luise Rainer em "Terra dos Deuses" (The Good Earth), que havia ganho no ano anterior por "Ziegfeld - O Criador de Estrelas" (The Great Ziegfield).

Em 1938, faria "Madame Waleska" (Conquest), mais uma grande produção da MGM, baseada no romance entre a personagem título e Napoleão. O filme foi feito com ares de superprodução com um grande orçamento, mas as bilheterias não corresponderam os gastos e esse foi o primeiro fracasso de Greta Garbo em bilheteria. Por causa do fracasso em bilheteria de "Madame Waleska", Garbo teve seu nome incluso em uma lista chamada de "Venenos de Bilheteria" (Box Office Poison).

Em 1939, a MGM decidiu que seria a hora de dar a Garbo um papel mais leve. Surgiu então "Ninotchka". E assim como ocorreu em "Anna Chistie", a MGM criou um slogan para explorar a nova faceta de sua estrela: "Garbo Ri!". Com direção de Ernst Lubitsch e no roteiro Billy Wilder, o filme foi um grande sucesso e o nome de Garbo voltou ao topo das bilheterias. Garbo recebeu sua última indicação ao Oscar, perdendo para Vivien Leigh em "...E o Vento Levou" (Gone With the Wind). Com o sucesso de "Ninotchka", a MGM achou que tinha achado o gênero perfeito para Garbo: a comédia. Seu próximo filme seria "Duas Vezes Meu" (Two-Faced Woman) de 1941. Dirigido por George Cukor, o filme seria o maior erro de todos os tempos que a MGM poderia cometer.

Garbo chegou a recusar o roteiro de "Um Rosto de Mulher" (A Woman's Face), por medo de ser hostilizada ao interpretar uma personagem que a princípio seria considerada uma vilã. Joan Crawford pegou o papel e deu uma de suas maiores performances, mesmo não sendo indicada ao Oscar. "Duas Vezes Meu", irritou a gama conservadora, por causa de sua história: uma mulher se passa por uma irmã gêmea que não existe, para descobrir se seu marido é um homem fiel. Mesmo o público tendo noção de que era uma farsa a situação, o filme acabou incomodando grupos religiosos que pregaram boicote ao filme.

Com o fracasso de crítica de "Duas Vezes Meu" e com a chegada da Segunda Guerra Mundial, Garbo decidiu dar uma pausa em sua carreira. Tal pausa tornou-se definitiva, quando decidiu reincidir seu contrato com a MGM. Nos anos posteriores, chegou a se interessar por alguns projetos, fazer testes e assinar contratos, porém algo sempre dava errado. Após tentativas fracassadas de um possível retorno, Garbo decidiu definitivamente não retornar para o cinema. Chegou a receber convites durante as décadas de 40 e 50, mas recusou todos.

Garbo era diferente de tudo o que Hollywood significava: era uma pessoa discreta, não respondia cartas de fãs e nem dava autógrafos, não comparecia a festas e celebrações, muito menos em cerimônias do Oscar, preferia a companhia de amigos íntimos e detestava dar entrevistas. Tais atitudes a fizeram ser conhecida como a "esfinge sueca".

Em sua aposentadoria das telas, Garbo viveu a vida que sempre quis: vivia sozinha ou rodeada de amigos íntimos, colecionava obras de arte e viajava. Evitava aparições públicas, mas mesmo assim foi fotografada diversas vezes por paparazzis que a perseguiam. Nos anos de Ouro, contrariou Louis B. Mayer, ao recusar-se em casar e a ter filhos, prática imposta sobre as estrelas e os astros de Hollywood. Manteve-se assim até o fim da vida.

Greta Garbo faleceu aos 84 anos, em 15 de abril de 1990. Certa vez, em uma de suas raras entrevistas, disse uma frase que a definiria para sempre: "Há muitas coisas em seu coração que você nunca deve contar a ninguém. Seria baratear o seu íntimo sair espalhando-as por aí.”

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O Ser Humano sempre foi fascinado por imagens em movimento. Bem antes do cinema surgir, existiam as sombras chinesas. As sombras chinesas consistiam em um boneco sustentado por varas, uma luz e um fundo. O público sentava diante dessa tela e ficava fascinado ao ver aquele jogo de sombras se movimentando. O cinema existe hoje, graças a diversos experimentos datados bem antes dos considerados "pais do cinema": Thomas Edison, Georges Méliès, os irmãos Lumière, entre outros.

A primeira menção sobre um experimento que remetia ao cinema é datada em 1420, na Itália. Esse experimento, consistia em uma lanterna que projeta numa parede, um quadro pintado no seu cilindro de vidro, essa foi a primeira menção de uma lanterna que reproduzia uma imagem aumentada em uma parede. Em 1640 surgiu a "Lanterna Mágica", uma lanterna que reproduzia em uma parede, uma imagem aumentada, pintada em um cilindro de vidro, uma versão mais aprimorada do primeiro experimento de 1420.

Em 1784, na França E. G. Robert aperfeiçoa a lanterna mágica, construindo o fantascópio, que consistia em criar movimentos a partir do deslocamento de figuras desenhadas. Em 1872, nos Estados Unidos, são feitas as primeiras fotografias em série, em 24 chapas distintas, com intervalos desiguais. Em 1887 Thomas Edison inventa o Cinetoscópio, primeira máquina com progressão intermitente da fita, de imagem em imagem, por meio de engrenagem. A fita ficava imóvel durante a exposição e durante o movimento, era protegida contra a luz, por um diafragma. Em 1889 é fornecido a Edison o primeiro filme de celuloide sensível à luz e provido de perfurações.

Em 1891, Edison patenteia as fitas de celuloide. No mesmo ano, na Alemanha, ocorre a primeira exibição de imagens fotográficas em movimento. Na França, em 1894, os irmãos Louis-Jean e Auguste-Marie-Louis-Nicholas Lumière inventam a câmera cinematográfica e rodam no ano seguinte, o seu primeiro filme: "A Saída dos Operários da Fábrica Lumière"e solicitam a patente do Cinematógrafo.

Os primeiros filmes não possuíam enredos e eram feitos em tom documental. Em 1903, surge "O Grande Roubo do Trem", de Edwin F. Porter, que marcaria o cinema, por trazer uma história sem o tom documental. "O Grande Roubo do Trem", iniciaria uma onda de filmes de ação com enredo, despertando a atenção do público. Nessa época, esses filmes eram exibidos em teatros de Vaudeville, nos intervalos, ou nos finais dos espetáculos, na intenção de fazer com que o público se retirasse mais depressa das salas, porém o inverso aconteceu: as pessoas ficaram fascinadas por aquelas imagens em movimento e assim os espetáculos de Vaudeville começaram a ser ameaçados pelos filmes.

Mesmo com os filmes despertando a atenção das pessoas, muitos empresários de Vaudevilles, não viam ameaça nos filmes, achavam que aquilo era uma moda passageira. Ainda nessa época, os filmes eram exibidos no final dos espetáculos. Por causa da comoção, passaram a ser exibidos no meio dos espetáculos, como forma de segurar a audiência, caso um espetáculo fosse ruim. Um ano antes, em 1902, surgia "Viagem à Lua" (“Le Voyage dans la Lune”) de Méliès, considerado o primeiro filme de Ficção Científica do Cinema.

Em 1909, foi o grande "boom!" do Cinema Mudo. Grandes estúdios surgiram, enquanto outros que haviam surgido anteriormente, como a Biograph e a Pathé, se tornaram bastante populares. Em 1915, o cinema já se tornara algo popular: as salas de cinema cresciam e boa parte dos estúdios se mudaram para Hollywood. Em 1919 surge a United Artists, primeiro estúdio independente da história do cinema, fundado por Charles Chaplin, D.W. Griffith, Mary Pickford e Douglas Fairbanks. O estúdio no cinema mudo produziu clássicos como "O Ladrão de Bagdá" (The Thief of Bagdad), "O Pirata Negro" (The Black Pirate), "Robin Hood", entre outros.

Além da falta de som nas películas, o Cinema Mudo era caracterizado por atuações que davam ênfase à expressões faciais e corporais, intertítulos que exibiam diálogos ou passagens escritas do filme, com a intenção de facilitar o entendimento da história, velocidade de projeção, principalmente em comédias e a tintura de algumas películas. Alguns filmes foram tintados totalmente ou parcialmente. As películas eram mergulhadas em corantes e tingidas para representarem humor ou hora do dia. A tonalidade azul era usada para representar cenas noturnas. A tonalidade amarela para as cenas diurnas. A tonalidade vermelha para cenas com fogo, ou cenas passionais e violentas. O verde para cenas misteriosas. Existiam também os filmes pintados à mão. Méliès foi o pioneiro em utilizar essa técnica.

Outra característica do Cinema Mudo era o acompanhamento musical. A primeira exibição de um filme dos irmãos Lumière em 1895, em Paris, ditou a regra de que todo filme mudo deveria ser acompanhado por uma orquestra. A música também funcionava como um apoio as atuações dos atores ou as situações apresentadas nos filmes. Com a popularização do Cinema, era comum as salas de exibições contarem com orquestras que tocavam ao vivo. Algumas trilhas sonoras foram gravadas em discos e sobreviveram ao tempo, sendo inseridas posteriormente nos filmes lançados em dvds ou blu-rays.

Quando falamos em Cinema Mudo, na maioria das vezes nos centramos apenas no cinema americano, mas nesse período surgiu um importante movimento: O Expressionismo Alemão ou o Cinema Expressionista Alemão. Esse movimento produziu pérolas como "O Gabinete do Dr. Caligari" (Das Cabinet des Dr. Caligari), "A Caixa de Pandora" (Die Büchse der Pandora), "Genuine", "O Golem" (Der Golem, wie er in die Welt kam), "Nosferatu" (Nosferatu, Eine Symphonie des Grauens), "Metropolis", entre outros. Outros países que produziram filmes mudos: Rússia, México, França e até mesmo o Brasil.

O Cinema Mudo foi responsável em popularizar diversos gêneros, o principal gênero foi a comédia, onde surgiram diversos nomes como Charles Chaplin, Buster Keaton, Harold Lloyd, Stan Laurel e Oliver Hardy (o Gordo e o Magro), Fatty Arbuckle, Mabel Normand, entre outros. Além dos gênios da comédia, o Cinema Mudo popularizou nomes de astros e estrelas como Greta Garbo, Lillian Gish, Rudolph Valentino, Lon Chaney, Gloria Swanson, Theda Bara, Clara Bow, Louise Brooks, Pola Negri, Mary Pickford, Janet Gaynor, Alla Nazimova, John Gilbert, Douglas Fairbanks, considerado o "pai" dos filmes de ação, entre outros.

Além dos atores, haviam também os diretores que se tornaram populares: D.W. Griffith, considerado um dos maiores gênios do cinema, Raoul Walsh, Murnau, Ernst Lubitsch, Erich von Stroheim, Fritz Lang, Abel Gance, John Ford, Frank Borzage, Cecil B. De Mille, que já produzia seus épicos ainda no cinema mudo, entre outros. Assim como alguns dos atores e atrizes citados acima, alguns desses diretores conseguiram êxito também no cinema sonoro.

O Cinema Mudo foi o período em que as mulheres mais trabalharam em cargos de liderança: haviam diretoras, donas de estúdios, roteiristas, produtoras, entre outros cargos de liderança. Mulheres como Alice Guy Blaché, Lois Weber, Mabel Normand, dirigiam filmes. Atrizes como Alla Nazimova, Fern Andra, Asta Nielsen, produziam seus próprios filmes.

No final da década de 20, havia uma extrema necessidade de reinventar o cinema e manter a popularidade dos filmes. Começou então, testes de filmes genuinamente sonoros. "O Cantor de Jazz" de 1927, é considerado o divisor de águas entre os filmes mudos e sonoros. As falas e as músicas foram gravadas em discos de acetato. A princípio apostaram no fracasso do filme, usando como base o fato do público ter se acostumado aos filmes mudos, porém o filme acabou inovando e foi um grande sucesso, chegando a ganhar um Oscar especial por ter revolucionado o cinema.

Após "O Cantor de Jazz", boa parte dos estúdios passaram a se adaptar a nova tecnologia que permitia captar sons e diálogos e naturalmente boa parte dos atores e atrizes passaram a estrelar filmes falados. Mas nem todos foram bem sucedidos. Alguns astros e estrelas possuíam um forte sotaque, outros não tinham uma voz considerada "atraente" e muitos simplesmente não conseguiram se adaptar ao novo estilo de filmagem. Com a chegada do cinema falado, muitas carreiras se findaram e tanto os estúdios, quanto os astros e estrelas, entraram em pânico.

Com a popularização do cinema sonoro, muitos donos de estúdio achavam que os filmes mudos eram uma coisa ultrapassada e passaram a se desfazer de diversos títulos. Filmes como "Salvo do Titanic" (Saved From the Titanic), "Os Homens Preferem as Loiras" (Gentlemen Prefer Blondes) (1927), "O Grande Gatsby" (The Great Gatsby), "London After Midnight", "Os 4 Demônios" (4 Devils), "The Gulf Between", o primeiro filme em Technicolor e o primeiro filme colorido em longa metragem dos Estados Unidos, entre outros, foram perdidos para sempre. Existem filmes que sobreviveram, mas que tiveram diversas partes perdidas, alguns exemplos: "Sedução do Pecado" (Sadie Thompson) e The Toll of the Sea, segundo filme em Technicolor de duas faixas. Um incêndio na Fox em 1937, resultou na perda de diversos filmes, dentre eles quase a filmografia completa de Theda Bara. Dos mais de 40 filmes estrelados pela atriz, apenas 6 sobreviveram. Clássicos estrelados pela atriz como "Cleópatra", "Salomé", "Madame Du Barry", "Camille", foram perdidos para sempre.

Mesmo com a popularização dos filmes sonoros, na década de 30, ainda se produziam filmes mudos, porém esses filmes ficaram taxados como "filmes artísticos", por usarem uma tecnologia que para o público daquela época, já era ultrapassada. Filmes como "O Pão Nosso de Cada Dia" (City Girl), "Luzes da Cidade" (City Light), "Tabu", "Gente no Domingo" (Menschen am Sonntag), receberam essa alcunha. Em 2011, "O Artista", filme francês, resgata o período do Cinema Mudo, sendo produzido como um filme mudo. O filme foi reverenciado e ganhou diversos prêmios, inclusive um Oscar na categoria de melhor filme.

Desde o início do cinema, elas estavam lá. Algumas dirigiam, outras produziam, enquanto outras eram donas de estúdios. De repente, elas se viram vitimas do machismo e da opressão. Foram substituídas por homens que lhe colocaram em cargos abaixo dos seus talentos. Umas se adaptaram a essa nova realidade, enquanto outras simplesmente desistiram. Outras seguiram lutando. E foi assim que as mulheres seguiram durante décadas no cinema, tanto americano, quanto mundial. Inicialmente, o cinema era visto como algo sem importância, não era levado a sério. Quando notaram que o cinema poderia ser rentável, os homens decidiram tomar o controle do império e rebaixaram as mulheres para cargos considerados "femininos" (maquiagem, figurino e etc.). A partir da década de 30, o número de mulheres em cargos importantes no cinema, caiu drasticamente. E foi assim por um bom tempo. Nos últimos anos, graças a força do movimento feminista, as mulheres retornaram aos poucos, aos cargos de liderança no ramo cinematográfico. Hoje, temos importantes diretoras, atrizes que produzem seus próprios filmes e mulheres que administram estúdios, mas mesmo assim os números não chegam perto do período em que o cinema nasceu.

Quando falamos do início do cinema, nos lembramos imediatamente dos irmãos Lumière, de Méliès, entre outros, mas Alice Guy Blaché, considerada a mãe do cinema, ficou esquecida durante anos. Seu primeiro filme é datado de 1896 e foi o primeiro filme do mundo com uma narrativa cinematográfica. Em 1906, ela produziu "The Life of Christ", considerada uma grande produção para época, pois ela usou cerca de 300 figurantes nas gravações. Foi pioneira nos efeitos especiais, nas colorizações dos negativos. Foi considerada como visionária, por usar negros em seus filmes, numa época bastante racista. Foi uma das primeiras (senão a primeira) mulheres a criar sua própria companhia cinematográfica. Após se divorciar de seu marido, responsável pelo seu declínio, Alice foi obrigada a leiloar seu estúdio, para quitar os maus investimentos do ex-marido. Após isso ela nunca mais dirigiria outro filme.

Após Blaché, o nome de Lois Weber é o mais lembrado, quando falamos da importância das mulheres no início do cinema. Além de diretora, foi atriz, produtora e roteirista. Chegou a ser comparada com Griffith, devido ao seu imenso talento. Em 1915, dirigiu "Hipócritas" (Hypocrites), primeiro filme a mostrar a nudez feminina, além de tocar em um tema bastante polêmico: religiões. No ano seguinte, produziria um filme falando sobre aborto e contracepção. Dirigiu também a primeira adaptação de Tarzan. Foi também a primeira mulher a criar e a administrar um estúdio. Na maioria das vezes, as mulheres deixavam o cargo de maior responsabilidade nas mãos dos maridos.

Charlie Chaplin é até hoje considerado o maior gênio do cinema. O que poucos sabem é que seus primeiros filmes foram dirigidos por Mabel Normand. Mabel era do time das mulheres que eram atrizes, diretoras e produtoras. Foi uma das atrizes mais populares do estúdio Keystone na década de 10 e criou seu próprio estúdio. Foi uma das primeiras parceiras de Chaplin, antes dele atingir o estrelato e dizem que graças a ela, Chaplin conseguiu superar as dificuldades de começo de carreira.

Quando falamos sobre mulheres dirigindo filmes em Hollywood, o primeiro nome que lembramos é o de Ida Lupino, o que não deixa de ser verdade, porém antes dela havia Dorothy Arzner. Quem conhece as duas, costuma injustamente comparar os filmes e trajetórias de vida de ambas e sempre menosprezando Dorothy e enaltecendo Ida, porém as duas possuem igual importância, para o movimento feminista dentro de Hollywood. Dorothy começou sua carreira no cinema mudo ainda e trabalhava na edição de filmes. Ao ameaçar sair da Paramount, acabou sendo promovida a diretora, chegando a dirigir estrelas como Clara Bow. Dirigiu também o primeiro filme falado do estúdio. Quando o cinema transitou do silencioso para o falado, Dorothy começou a sentir as pressões do machismo. Foi a única mulher a dirigir filmes entre as décadas de 30 e 40 e sofreu constantes ataques machistas, causando passagens em diversos estúdios. Enfrentou Louis B. Mayer e Harry Cohn, dois notórios administradores de estúdios machistas. Acabou sendo demitida por Cohn e foi substituída por Charles Vidor, na direção de seu último filme. Passou anos dando aulas sobre cinema. Na década de 70, teve sua importância reconhecida e recebeu diversas homenagens, mas após sua morte, passou a ser esquecida, sendo resgatada e redescoberta após os anos 2000.

Ida Lupino era considerada uma atriz "rebelde" na Warner, ao lado de Bette Davis e Olivia de Havilland. Após ser suspensa, se interessou por dirigir filmes. Coletou informações de forma discreta e os homens lhe passavam informações, pois não sentiam-se ameaçados. Junto com o marido, abriu uma produtora e começou a dirigir filmes. Seus filmes na maioria das vezes, traziam a mulher no papel principal e tocavam em feridas da sociedade, como bigamia e estupro. Como era de se esperar, seus filmes passavam pela censura, mas nem sempre ganhavam uma distribuição decente e na maioria das vezes seus filmes mesmo bons, passavam despercebidos pelo público. Cansada do boicote no cinema, retornou à sua carreira de atriz, mas também embarcou como diretora na televisão, que era um meio mais "tolerante" e chegou a dirigir episódios de séries bastante populares. Foi a primeira mulher a dirigir um filme noir, estilo de filme totalmente associado a homens.

Na década de 50, Agnès Varda, lança "La Point Courte", considerado o percursor da Nouvelle Vague, um importante movimento francês. Ironicamente, mesmo contribuindo para o nascimento do movimento, ela jamais foi incluída nele e quando falamos sobre esse movimento, os nomes mais populares são dos de Truffaut e Godard. Em 1985, produziria "Sem Teto, Nem Lei" (Sans toit ni loi), uma de suas obras-primas. Além de diretora, Varda é fotógrafa. E o feminismo sempre está presente em sua obra.

Věra Chytilová, foi uma das grandes pioneiras do cinema tcheco. Na década de 60, dirigiu "As Pequenas Margaridas" (Sedmikrásky), sua obra-prima que foi banida na Checoslováquia, pelo simples fato do filme ter imagens que mostram desperdício de comida, numa época pós-guerra.. O filme foi ovacionado na Itália, ganhando um prêmio em 1966. Após filmar "As Pequenas Margaridas", Chytilová enfrentou uma grande resistência em encontrar trabalho na Checoslováquia, sofrendo pressão do governo tcheco, sendo denunciada por não fazer parte dos ideais comunistas, criando uma nuvem de pessimismo em suas obras. Durante o resto de sua carreira, Chytilová sofreria censura do governo tcheco, mas acabou se tornando um ícone da resistência. "As Pequenas Margaridas", hoje é visto como um filme feminista, devido às críticas ativas em relação aos homens perante o sexo.

Gilda (de) Abreu foi uma das diretoras mais importantes em nosso cinema, mesmo com uma carreira curta. Além de diretora, era cantora, escritora e radialista. "O Ébrio" de 1946, foi seu primeiro filme como diretora e foi um grande sucesso. O filme é uma adaptação teatral, que também foi dirigida por Gilda que foi responsável também em escrever a adaptação. Em 1949 dirigiu "Pinguinho de Gente" e encerrou sua carreira como diretora em "Coração Materno", em 1951, filme que foi um fracasso e lhe causou imensas decepções. Após se afastar das telas, Gilda se dedicou a escrever novelas radiofônicas e roteiros para filmes. Foi a terceira mulher a dirigir filmes em nosso país.

Kinuyo Tanaka, foi a segunda mulher japonesa a dirigir filmes, após Sakane Tazuko. Sua obra-prima é o filme "Carta de Amor" (Koibumi), seu primeiro filme, que chegou a concorrer em Cannes, em 1954. Ela dirigiu mais cinco filmes entre 1953 e 1962, mesmo sofrendo forte pressão para parar. Como atriz, atuou em mais de 200 filmes.

Durante os anos 70 e 80, as mulheres começaram aos poucos a retornar aos cargos de liderança que lhe foram usurpados nos primórdios do cinema. Com o movimento feminista mais forte do que nunca, foi possível mulheres como Barbra Streisand, Nora Ephron, Liliana Cavani, Margarethe Von Trotta, Sofia Coppolla, entre outras, dirigirem filmes nas décadas seguintes. Hoje, o número de mulheres dirigindo filmes, vêm aumentando aos poucos, mas mesmo assim não é um número alto comparado com o cinema mudo, onde a produtividade era muito maior e a participação das mulheres era bem mais ativa e frequente, mas as mulheres seguem lutando pelo seu espaço e por respeito na indústria cinematográfica.

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